Category: искусство

Два мира


Недавно обсуждали так сказать, творчество художника Павла Рыженко, ученика Глазунова. И прозвучало, что все эта белогвардейская эстетика – тот же самый коммунистический агитпроп, только в другом цвете. Отчасти это действительно так. Первая картина – «Поднимающий знамя» из триптиха «Коммунисты» Гелия Коржева, вторая – «Удар колокола» из триптиха «Покаяние» того самого Рыженко. Не надо быть краеведом, чтобы уловить, что вторая не только базируется на той же школе, но и откровенно эксплуатирует идеи первой (почти та же поза у главного героя и даже знамя таки свидетельствуют, что ученик Глазунова, создавая свой триптих, был глубоко впечатлен «Коммунистами»). Ну да почти вся современная российская эстетика откровенно покрадена у предыдущих эпох, чего уж там. Только «похоже» не значит «равно».
Collapse )
Buy for 100 tokens
Buy promo for minimal price.

"Нибелунги"

Выложу, пожалуй, отдельным постом здесь к недавним "Нибелунгам" Фрица Ланга. Во-первых, это красиво. Во-вторых, отчетливо видно, как эта красота вынесла мозг раннему Лангу, повлияв на геометрию кадра и художественное решение его фильма

"Карл Отто Чешка (Carl Otto Czeschka, 22 октября 1878 г. в Вена - 30 июля 1960, Гамбург) - австрийский художник, дизайнер, график, книжный иллюстратор, разработчик шрифтов. Он считается одной из важнейших фигур Венских мастерских (нем.Wiener Werkstatte) - объединения архитекторов, художников, ремесленников и коммерсантов, основанного в 1903 году в Вене дизайнерами группы Сецессион Йозефом Хофманом и Коломаном Мозером при участии состоятельного банкира Фрица Варндорфера. Предприятие создавалось на корпоративных началах по образцу британских организаций, прежде всего Гильдии ремесла Чарльза Эшби (...)
Почерк Чешки близок стилю Густава Климта, но для него более характерны плоскостные решения и тяга к абстрактному. Его ученик Оскар Кокошка неоднократно выказывал свое восхищение учителем, а также признавал существенное влияние стиля Чешки на свой собственный изобразительный язык. Художественное наследие Чешки значительно по объему и весьма разнообразно: графика, шрифтовые работы (Czeschka-Antiqua), ксилографии, витражи, открытки, ювелирные изделия, мебель, логотипы, текстиль, костюмы к спектаклям Макса Рейнхарта (Max Reinhardt) и книжные иллюстрации. Для еженедельной газеты «Цайт» (Die Zeit) художник разработал написание заголовока, используемое по сей день.
В 1908 году Чешка выполнил по заказу издательства Герлаха и Видлина (Gerlach und Wiedling) иллюстрации к книге «Нибелунги» Франца Кейма. Именно по этой работе художник и известен широкой публике. «Нибелунги» вышли в свет маленьким тиражом и вскоре были признаны неоспоримым шедевром в области книжной иллюстрации. Рисунки Чешки явно послужили источником вдохновения для режиссера Фрица Ланга в работе с фильмом «Нибелунги»."
Collapse )

Глазунов

Увидела это фото – мастерская молодого Глазунова (еще не похожая на церковь с иконостасом). Позирует Висконти. Заинтересовалась историей. Из его интервью сложилась совершенно сюрреалистическая картина – опекаемый поэтом Сергеем Михалковым, опальный художник всю дорогу борет кровавый режим (а он в интерпретации Глазунова был натурально кровавым), а кровавый режим платит ему сто рублей за иллюстрацию и приглашает мировых знаменитостей. Причем, по словам Глазунова мировые знаменитости сами угорали от желания ему позировать. Так и представляю – стоял живой (тогда еще) классик итальянского кино (по совместительству герцог миланский), и слезно упрашивал 30-летнего маэстро. Потом они же (там еще были Феллини и Джина Лолобриджида) упросили опального антисоветского художника поехать в Рим и он милостиво согласился (сложно понять из истории, куда в это время смотрел советский режим, но оно и не важно). Потом он опять по приглашению поехал в Париж (режым?). Дальше прямая речь: «Я приехал, и началась эта поганейшая grève illimité (бессрочная забастовка - Прим.ред.), революция…Это вы помните, это было 40 лет назад. Летели гранаты, пилили каштаны столетние у Сорбонны. Я увидел всю эту революцию, эти красные глаза у мальчиков в куртках, несли портреты Сталина, Мао Цзедуна, Ленина, Маркса и прочих». Май 1968 года произвел на Глазунова наиотвратительнейшее впечатление, да (полагаю, что если бы его знакомые из мира кино об этом узнали, то были бы обескуражены). Небезынтересно то, что деятелей авангарда, в отличии от себя, он считал липовым диссидентами (видимо, знает, что почем). В этом интервью весь Глазунов.Collapse )

Кровь поэта /Le sang d'un poète/ 1932, Jean Cocteau

«Кровь поэта», как и «Андалузский пес» Бунюэля – насмешка над всеми, кто смотрит кино рационально разбирая его, как конструктор. Первый фильм Кокто сломает любого кодировщика. Насмешка уже на уровне вступительных титров «Каждое стихотворение – это герб, который нужно расшифровать» или «реалистичный документальный фильм об ирреальных событиях». На расшифровывать там нечего. Хаос атипичных образов. Грохот пушек Фонтенуа (так стал понятен хотя бы год – 1745), безымянный Художник (Поэт?) у мольберта. Дальше начинает натуральный бред. Ожившая белая статуя (это ведь смерть, да?) указывает на зеркало. Зазеркалье, как вода (эта сцена снималась в ванной), принимает Художника и отправляет в психоделический трип. Бесконечный повтор расстрела то ли в Мексике, то ли в Венсене («все равно»), ползающая по потолку девочка, круговорот снежинок над телом убитого ребенка, инструкция по самоубийству и явление тихого чернокожего ангела к карточному столу. Когда Кокто надоедают кинематографические образы, он впускает в этот мир свои ожившие рисунки.Collapse )

Золотая карета (Le carrosse d'or) 1952, Ренуар

Лурсель (тот еще специалист) в своей книге назвал «Золотую карету» «самым европейским и цивилизованным из фильмов Ренуала» - это какой-то странный набор слов (а остальные были не европейскими или не цивилизованными, WTF?), особенно с учетом того, что действие происходит далеко не в Европе. Но то, что он самый ренуаровский фильм, так это точно. У любого творчества есть какой-то запоминающийся образ. Вычурная позолоченная карета, случайная гостья из другого мира, по сути, не нужная в бездорожье Латинской Америки – это как визуальная квинтэссенция всего творчества автора. Акварельные тона в сочетании с яркими красками, всепобеждающий золотой цвет, рафинированность и почти китч, какая-то особая атмосфера легкости и отрыв от реальности. По идее все происходит в конкретном месте и времени – Перу, 18 век. Даже Камила, героиня Анна Маньяни имеет реального прототипа – это Перикола (La Perricholi), женщина с задворок Испанской колониальной империи, прославившаяся по всему миру на века. Но Ренуар с самого начала отстраняется от реальности, написав в титрах не «основано на реальных событиях», а что это пьеса, которую разыгрывают комедианты – об этом сразу же забываешь, но в конце появляются подмостки, которые четко указывают, что мы смотрели все-таки пьесу, а не сюжет из жизни.Collapse )

Наша новая Каренина



Вечер в хату, поцоны. Ой, Вань, смотри какие клоуны! Они ж там в Гейропе совсем свихнулись на своей политкорректности – негры в театре играют, вот же умора! /навеяно обсуждениями плаката к спектаклю «Анна Каренина» в Манчестере/.
Здрасти, приехали! Эти ваши новости уже давно никакие не новости. В столице родины нашей в кинотеатрах сети «Формула Кино» показывают регулярно британские спектакли Шекспировского театра, сходите что ли просвещения для – чернокожие актеры встречаются регулярно и не только в ролях типа «Кушать подано» Во «Франкенштейна» Денни Бойла (который с Камбербэтчем), например, невесту Франкенштейна играет темнокожая девушка и чо дальше?

Collapse )

Скорбящий гений

IMG_20150802_142256

Увидев эту скульптуру в Архангельском решила разведать ее историю. Нашла в сети дискуссию, где женщина утверждает, что произведение немецкого скульптора Барта, поставленное в начале прошлого века в парке Архангельского в честь гибели Николая Юсупова на дуэли, подменили - дескать, когда она увидела эту статую впервые, то она ее впечатлила, а, когда она поехала туда во второй раз уже в наше время, то совсем не торкнуло.
Collapse )

" Андрей Рублев"/"Страсти по Андрею"/1965

x_639caa29


Наткнулась вчера на расширенную версию «Страстей по Андрею» и посмотрела все три часа буквально не отрываясь. Никогда этот фильм не любила, зато люблю теперь. Может дело в хронометраже, а может в том, что за годы, отделяющие от просмотра сокращенного варианта, кто-то там наверху наделил меня более совершенными глазками, но вчера он меня просто сшиб и заставил походить кругами на ночь глядя. Из всех фильмов Андрея Тарковского «Рублев» мне всегда нравился меньше всего – чувство неловкости, ощущение, что маленькие сверла буравят череп, жутковато не понятно от чего, пытаешь разобраться как в кубике Рубика и к чему каждая деталь, но не понимаешь. Но теперь стало понятно то, что не нужно понимать, не нужно рассуждать, нужно только смотреть, как дышать. Все само собой разложилось по сотам – и все противоречия в самом Тарковском, и то почему Тарковского считает своим кумиром Триер и многое о себе. Диалог между Феофаном Греком и Рублевым на тему «как остаться хорошим человеком и не впасть в грех гордыни», том, что пейзажи в здешних краях писались вовсе не чаем, а кровью, в том числе и собственной. Скорее всего так Тарковский мог сказать о себе и о каждом из нас.

 

«Замысел же «Андрея Рублева» связан с проблемой творчества, с требованиями для художника: видеть и найти выход, иметь силы для создания прекрасного, несмотря на сложности в жизни, суметь выстрадать, самого себя создать.

Для меня Рублев – герой. В фильме идет спор между Феофаном Греком и Андреем Рублевым и получается, что Феофан талантлив, это я знаю, но не знаю, кто талантливее из них. Что Андрей Рублев гений, мне известно, а Феофан может быть более талантливым, поэтому он непосредственно отражает ужас того времени в своих персонажах, в своих богах, то есть что он видел – то и выражал. В этом есть нечто кафкианское.
Я Феофана люблю, но он выражал увиденное. Рублев видел то же самое, но страдал значительно глубже, чем Феофан, и гений его в том, что он нашел возможность создать нравственный идеал, который является более необходимым в состоянии потрясения, и этим Рублев доказал диалектичность в искусстве: он почувствовал, что необходимо испытать человека, и создал образы, которые могут спасти человека.
Именно поэтому я не могу назвать его творчество трагедией, оно трагично, как эпитет. Он создал настолько светлый нравственный идеал, что меня огорчает то обстоятельство, что для многих это оказалось недоступным, непонятым»

 


Collapse )

Джеймс Кристенсен (James Christensen)


Нашла в сети художника при взгляде на работы которого, хочется закусить локти от зависти (сугубо белой, не боитесь). Если бы можно было выбирать какой дар приобрести на аукционе жизни, то хотелось бы такую фантазию вкупе с техникой. Просто здорово – мотивы Возрождения, Средневековья, какие-то безумные гномы, карлики, феечки и ангелы, легкий сюр, короче все как мы любим. Смотреть можно долго-долго...


Collapse )

Поправка к собственным размышлизмам о современности


Не далее как вчера попыталась сказать что-то хорошее о современном искусстве, но сегодня сходила на архитектурное биеннале в нашей деревни. И, как это часто бывает, сегодняшняя реальность нахлобучила меня вчерашнюю по голове. Само собой  вспомнилось, что как раз архитектура – это тот вид искусства, который я люблю именно классическим, стареньким, винтажненьким... Более того, такая среда  мне кажется самой гуманной и дружественной к человеку. Даже отдавая должное создателям лучших образцов  современной архитектуры, их талантам и профессионализму, рассматривать интересней более традиционные вещи, а уж тем более жить среди…

Впрочем про наши «лучшие» (и в кавычках и без) образцы, про организацию, оформление и прочее все уже объемно сказано например в Комерсе - http://kommersant.ru/doc/1941237 (вот ни добавить, ни убавить). Ну вот реально, чего как на зеркало, пенять на общество - якобы замшелое и не чуткое к прогрессивным идеям, коли.. (ну «мы понели). Зато всех хлебом не корми - дай только что-нибудь сбросить с корабля современности.


Collapse )